Lola Dupre

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Artiste en collage écossaise originaire de Glasgow, Lola Dupre poursuit inlassablement une pratique qui lui est propre&nbsp;: multiplier une image puis la découper et en réassembler les fragments afin de pouvoir à loisir générer des élongations ou raccourcissements. Chaque œuvre est une déformation de l'image originale, l'artiste multipliant les membres ou allongeant les torses et les visages dans des poses peu naturelles. Bien que l'œuvre semble avoir été créée numériquement, l'artiste-illustratrice utilise le papier et les ciseaux comme moyen d'expression, manipulant des milliers de morceaux de papier pour produire son imagerie, reconnaissable au premier coup d’œil.<figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_19_53bcbbaec3.jpg"></figure>Lola colle ensuite tout cela avec le plus grand soin sur des panneaux de bois, donnant un aspect «&nbsp;craquelé&nbsp;» aux images, rendues surréalistes par ses multiples manipulations. Ces craquelures de surface font penser à l’aspect d’une toile à l’huile de la Renaissance, projetant ainsi ses images dans une séduisante intemporalité.&nbsp; En regard de ses images finies, Lola dévoile souvent <a href="https://loladupre.com/studio">son processus</a>, et la quantité non négligeable de déchets de papier qui recouvrent sa table une fois le travail achevé.<figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_vlad_studio_52fded7a4f.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_2_b409dae00c.jpg"></figure>L’œuvre obsessive de Lola Dupre parle pour elle-même, la serial charcuteuse rechignant un peu à devoir s’en expliquer. Il arrive cependant qu’elle puisse laisser échapper quelques petites pensées éclairantes. Lola Dupre&nbsp;: «&nbsp;Je pense que les œuvres artistiques doivent contenir autant de messages que possible. Ces messages sont une chose essentielle dans la façon dont le dialogue se forme et se développe. J'ai mes propres idées sur la politique et la société, je ne veux pas les révéler en tant que telles, juste encourager le dialogue ou le rire. J'attends avec impatience la prochaine œuvre, presque dès que je commence à travailler.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_2014_rainbow_putin_lola_dupre_9f57c17a54.jpg"><figcaption>Rainbow Putin - 2014</figcaption></figure>Fortement influencés par l'esthétique Dada, les collages surréalistes de Lola Dupre plient et élargissent la vision traditionnelle de l'objet et de la forme humaine. Avec un large éventail de sujets, il semble qu'aucun humain ou animal ne puisse échapper à l'attention de Lola Dupre, ses sujets allant des présidents, stars, voitures, ordinateurs aux girafes, chiens de chasse et bien sûr, les chats.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_Charlie_32_2021_dupre_3_scaled_c646e940be.jpg"><figcaption>Charlie no. 32 - 2021</figcaption></figure>Même si ses ciseaux se plaisent à charcuter tous les animaux, on note chez Lola une forte prédilection pour les chats de son entourage. Ainsi son propre chat, Charlie un beau félin orange et blanc, est l’objet d’une magnifique série de plus de trente portraits. Sur cette&nbsp;<a href="https://loladupre.com/cats">page</a>, vous pourrez également contempler la grande famille féline qu’elle a voulu taillader avec amour&nbsp;: Iris, Misty, Spaghetti, Gorgonzola, Hubble, Darwin, Sponge et Felippo entre autres. Les chiens ne sont cependant pas en reste <a href="https://loladupre.com/dogs">ici</a>.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_3_34e95670f7.jpg"></figure>Dans ses collages, Lola Dupre atteint souvent un niveau de détail assez fouillé, ce qui est selon son propre aveu la partie «&nbsp;la plus méditative&nbsp;» de son travail. On n'a aucune peine à imaginer qu’une forme de méditation entre en jeu dans sa discipline, tant est visible sur sa table de travail les restes de concentration et de patience nécessaires pour assembler ces fragments. En conséquence de quoi, selon le degré de détail voulu, la durée de fabrication peut varier d'une journée à trois mois.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_16_210803c871.jpg"></figure>Depuis 2000, Lola Dupré a vécu et travaillé dans plusieurs pays, créant ses collages détaillés dans des pays comme la Suisse, la France, le Portugal ou l'Espagne. Elle vit actuellement à coté de Glasgow, en Écosse, et semble apprécier d’être en retrait du monde pour couper/coller en toute quiétude. Lola est suffisamment connue pour se permettre cet isolement qu’elle apprécie et qui lui offre la quiétude pour tout passer à la moulinette tranchante depuis vingt ans, c’est son mode de vie.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_Mari_8_2_x_11_6_inches_Original_photography_Laerke_Rose_Mollengaard_83b0d3a13b.jpg"><figcaption>Mari - Photographie originale : Laerke-Rose-Mollengaard</figcaption></figure>Lola Dupre&nbsp;: «&nbsp;Je déteste toute forme d'élitisme, je déteste le fait que les beaux-arts doivent répondre à certains critères aveugles. Je ne pense qu'à l'amour et à la lumière, à la libre expression et à la créativité sans censure et sans retenue. Souvent, en tant qu'illustratrice, je reçois plus d'encouragement et de liberté artistique que lorsque je travaille avec une galerie&nbsp;».<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Lola_Dupre_23_1d2bf444dc.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_15_6c59a49b4f.jpg"></figure>Lola Dupre confesse que l'op art (ou art optique) est une source d'inspiration, et l'a toujours été. Elle adore les références aux motifs moirés dans les œuvres de Vasarely et de Bridget Riley.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_2015_exploding_frace_jones_406bcc3c28.jpg"><figcaption>Exploding Grace Jones - 2015</figcaption></figure>Lola Dupre&nbsp;: «&nbsp;J'ai quelques collaborations à venir avec des photographes de mode, ce qui m'excite toujours. Mes projets restent les mêmes, produire de nouveaux visuels intéressants. J'aime toujours autant la créativité du collage, le processus de découpage des images. Je veux trouver de nouvelles techniques, de nouvelles approches du collage. Et surtout, continuer à chercher les plus belles choses que je puisse faire. Mon objectif pour l'année prochaine est le même que pour les vingt années à venir&nbsp;». Et notre objectif à nous pour les vingt années à venir est de continuer à la suivre avec cette même fidélité, comme de bons gros chats.<figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_hardy_charlie_8985495991.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Lola_Dupre_14_527b835518.jpg"></figure>

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distorsions de réalité

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Sophie Kietzmann

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Sophie Kietzmann est née à Berlin, elle a grandi à Bruxelles et elle est installée&nbsp;aujourd'hui à New York, une ville qui a joué un rôle important dans sa quête d’identité. Sur<a href="https://www.sophiekietzmann.com/"> son site</a>, les portraits défilent, illustrant une diversité folle et semblant représenter enfin l’humanité dans son intégralité. Chacun.e peut s’y retrouver. Il faut le dire, on a rarement vu autant de corps variés, célébrés et sublimés par le regard de la photographe. Une hétérogénéité encore trop rare dans le milieu de la photographie de mode où Sophie évolue, un milieu qui peine à se mettre à la page, hanté par des années d’injonctions et de beautés stéréotypées. Sophie Kietzmann fait la différence et c’est pour cette raison que nous avions à cœur d’échanger avec elle. Celles et ceux qu’elle photographie sont au centre de sa pratique. Ce qui l’intéresse c’est de construire les images avec elleux, à travers des échanges, des discussions et un respect profond pour leurs multiples facettes.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_Maya_APL_16871_5c67c79d43.jpg"><figcaption>Maya</figcaption></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;La photographie a toujours été présente dans ma vie, notamment parce que mon père en a toujours fait beaucoup. Comme j’étais enfant unique, l'appareil photo est vite devenu pour moi un jouet que nous avions toujours avec nous. J’utilisais la photo pour me divertir, m’amuser. Cela m'a donné un but dès mon plus jeune âge.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_03_9243c489f4.jpg"></figure>Sophie Kietzmann :&nbsp;«&nbsp;Tout a véritablement commencé lorsque je me suis installée à New York. J’ai fait mon coming out&nbsp;gay après avoir déménagé aux États-Unis, c’était la première fois que j’étais entourée d’une communauté qui me ressemblait. New York a été en quelque sorte le lieu de mon salut et la ville où j’ai vraiment pu revendiquer ma liberté. Vivre à New York m’a en quelque sorte donné cet espace complètement nouveau et neutre où découvrir une grande partie de qui je suis et trouver des personnes avec lesquelles m’identifier et ressentir enfin ce sentiment d'appartenance. Tout cela m'a donné une énergie créative nouvelle.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_02_28_a_10_18_58_5bb5383d5e.jpg"><figcaption>Sophie Kietzmann&nbsp;</figcaption></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;C’est aussi à ce moment-là que j’ai réalisé qu’une grande partie des photographies que j’avais admirées jusque-là n’était pas représentative de cette grande diversité de personnes que je découvrais alors, et surtout que ce manque de diversité m'avait empêché de vivre et d’assumer une grande partie de ma propre identité pendant 22 ans. Maintenant que j’avais ces outils, ce langage artistique et ces compétences en photographie, j’ai compris que je pouvais m’en servir pour créer ma propre représentation de la diversité avec mes propres sensations et dans mon domaine pour que des gens comme moi, qui grandissent aujourd'hui, possèdent plus de ressources et puissent se reconnaître dans les représentations visuelles d’autres individus.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_01_85f0224497.jpg"><figcaption>Constance</figcaption></figure>Sophie Kietzmann :&nbsp;«&nbsp;Je me suis toujours sentie plus attirée par les gens. Je pense que c’est d’abord parce qu'ils apportent tellement de choses par eux-mêmes aux images, cela n’est pas juste documentaire. J’aime plonger dans cet aperçu de leur être auquel ils me donnent accès.&nbsp;»&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_04_9ad5594dbf.jpg"></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;J’essaie au maximum de photographier des personnes qui ne sont pas assez représentées visuellement ou qui sont marginalisées d’une manière ou d’une autre par notre société. Cela peut être des gens avec des handicaps, des gens d'origines ethniques variées, d’âges ou de corps différents, des personnes avec des orientations sexuelles plurielles ou un rapport au genre qui sort des normes imposées. Je trouve qu'avec ce type de personnes, il y a une vraie connexion avec ma propre histoire personnelle et il y a une sorte de solidarité qui se crée, pour avoir fait moi-même l'expérience de ce que c'est que d'être sous-représenté.e, d'être marginalisé.e ou de grandir dans une société qui n'a pas encore fait assez d'espace pour nous. Pour les trouver, j'aime travailler avec certaines agences de mannequins vraiment pointilleuses sur la question de la diversité et aussi dans la protection de l'intégrité de leurs talents. Mais je trouve aussi mes modèles sur les réseaux sociaux, Instagram, dans la rue, au sein de ma propre communauté. Je veux montrer la beauté de ces personnes lorsqu'on leur fournit un espace où elles savent qu'être qui elles sont est suffisant, et je pense que cela se traduit dans les images.&nbsp;»&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_07_52d3aee7f8.jpg"></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;Dans mes portraits je veux mettre les gens sur un pied d’égalité, montrer que chaque individu est unique, que chaque personne est différente de celle assise à côté d’elle, et surtout qu’en fin de compte nous sommes vraiment tous.tes humain.es, et que le reste ça n’est que des détails de notre identité. Et pour certains, ces détails leur sont étrangers, c’est ce qui va créer une division. Et c'est là que la représentation visuelle peut avoir un impact important.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_Kiara_0036_4e814eea47.jpg"><figcaption>Kiara</figcaption></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;Pour moi, le shooting commence toujours par apprendre à connaître la personne que je vais photographier. J'aime aussi jeter un œil aux photos qui existent déjà de la personne que je photographie pour voir si j’ai l’impression que quelque chose manque dans la représentation de ses différentes facettes. Si je photographie une personne handicapée, par exemple, et que je vois qu'elle est toujours photographiée de la même manière, alors j'aime communiquer avec mon modèle pour réfléchir ensemble à une approche différente. Je pense qu'il est important que nous n'analysions pas les modèles en nous basant uniquement sur les suppositions que nous pouvons faire à leur sujet. Je construis ensuite la séance photo à partir de ça. Tous les autres éléments, comme la scénographie, le stylisme, la coiffure, le maquillage, le lieu, sont là pour servir cette vision plus large du shooting. Ce sont des outils incroyables pour amplifier un message que nous essayons de faire passer.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_02_28_a_10_40_25_baa28da57a.jpg"></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;J’apporte beaucoup de ma propre vulnérabilité pendant un shooting, en essayant de faire en sorte que les personnes que je photographie puissent s’ouvrir à moi, me faire confiance et se détendre pendant le processus. Surtout, j’essaie qu’ils ne soient pas confrontés à leurs propres attentes envers ce qu’ils pensent devoir faire pour être photographiés et regardés.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_05_6971ed0415.jpg"><figcaption>Chelsea Werner</figcaption></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;J'ai récemment eu l'occasion de photographier Chelsea Werner, qui est une <a href="https://www.instagram.com/showtimewerner/?hl=fr">gymnaste</a> olympique et médaille d'or nationale avec le syndrome de Downs. Son histoire est tellement incroyable. Quand elle était plus jeune, les médecins ont dit à ses parents qu'elle ne se développerait jamais correctement et qu'elle n'aurait jamais la force musculaire normale pour faire ce que font les gens ordinaires. Aujourd’hui elle fait mentir tout ce que l’on a pu dire autrefois à son sujet. Sur une note plus personnelle, quand j’ai rencontré Chelsea, il y avait vraiment quelque chose de pur dans sa manière d’être, de se présenter, elle a été tellement investie que cela m’a rendue également extrêmement investie à mon tour dans mon travail. Et pendant tout le shooting, je me suis sentie très humble. C'est l'une des séances photo que je suis incroyablement reconnaissante d'avoir pu mener.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_02_28_a_10_38_56_e381fa911d.jpg"></figure>Sophie Kietzmann : «&nbsp;La représentation est liée à l’existence dans l'esprit des gens, et cela peut tout changer. Je pense que la représentation est un élément clef pour la reconnaissance de soi, et que si nous avons des espaces de plus en plus nombreux où nous pouvons nous reconnaître, cela constitue un grand pas vers l'acceptation de soi. Je pense que cela change aussi la façon dont nous nous montrons, la façon dont nous prenons l'espace et finalement cela change la façon dont les autres nous perçoivent. Cela leur donne un contexte pour développer leur curiosité sur qui sont ces individus, ce qu'ils vivent, quelles sont leurs histoires, tout en leur fournissant un espace. »<figure class="image"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_13_73673ba37f.jpg"></figure><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Sophie_Kietzmann_12_45b4c784f9.jpg"></figure>Notre échange avec Sophie Kietzmann se termine sur sa recommandation artistique, bien sûr. Elle nous parle <a href="https://www.instagram.com/camilafalquez/">du travail</a> de l’artiste Camila Falquez, qui a des origines colombiennes, mexicaines et espagnoles, elle aussi installée à New York. Pour Sophie, c’est tout simplement l’une des plus douées des jeunes artistes qu’elle suit, attachée elle aussi à la question de la représentation, avec des images pop et texturées&nbsp;qui rappellent l’art pictural. Et sinon sur Brainto, vous pouvez jeter un œil à nos précédents portraits de Bérangère Fromont, Zanele Muholi, Romy Alizée ou encore Francesca Menghini qui œuvrent toutes pour plus d’inclusivité artistique.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><a href="https://www.instagram.com/camilafalquez/"><img src="/uploads/Camila_Falquez_34_37_4e7c46a1ca.jpg"></a><figcaption>Camila Falquez</figcaption></figure>

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Nous tous.tes 

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Jan Hakon Erichsen

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La destruction comme la création est tellement jouissive. Pour s’en assurer, rien ne vaut une visite chez Jan Hakon Erichsen un impassible artiste norvégien qui s’implique en personne dans ses vidéos de performances destructives à la mécanique DIY sans cesse renouvelée.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction18_157f83624d.jpg"></figure>Tous les enfants le savent bien, détruire, casser, déchirer procure tout autant de plaisir que créer ou dessiner. Et c'est ce que Jan Hakon Erichsen met en pratique, pour notre plus grand plaisir de grands enfants, dans de courtes vidéos de destruction qu’il diffuse sur diverses plateformes internet. Désormais il publie une vidéo par jour sur Instagram. Les vidéos impliquent souvent des machines ingénieuses et archi-bricolées au préalable, qui démolissent des objets du quotidien. Ses cibles de prédilection sont, entre autres choses, les ballons, les pâtes, les chips, les bananes, le scotch, les gobelets à café qu’il attaque souvent au moyen de couteaux, dont il déclare posséder "quelque part entre 500 et 1000 exemplaires“.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction13_ec323373b5.jpg"></figure>Les plus connues de ses vidéos montrent des méthodes élaborées et complexes pour faire éclater des ballons, mais d'autres thèmes sont récurrents, comme l'écrabouillage varié de pâtes, l’épluchage mécanisé de bananes, la destruction d'articles ménagers, l’auto-enroulage dans du scotch et le port de couvre-chefs bizarres faits de fruits. En 2019, une compilation de 2 minutes des vidéos de ballons de Jan Hakon Erichsen est devenue virale sur Twitter, accumulant 9,5 millions de vues en 24 heures et des centaines de milliers de likes et de retweets.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/1KioyaKRawg" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Jan Hakon Erichsen dit avoir été influencé par Chris Burden, artiste performer américain parmi les premiers à mettre l’intégrité de son corps en jeu. Dans Shoot (1971), l’une des pièces les plus connues de l’histoire de la performance, on le voit, jeune, se tenant droit devant un mur blanc. &nbsp;À une quinzaine de mètres devant lui, un homme armé d’une carabine 22 Long Rifle,&nbsp;tire dans son bras à balle réelle. Chris Burden a bien été touché par le tir de son ami. Il s’est aussi enfermé dans un casier de vestiaire de collège pendant 5 jours. On retrouve chez Jan Hakon Erichsen la même énergie chaotique et le sérieux d’un Chris Burden risquant sa vie juste pour créer. Ses autres influences, moins dangereuses, sont logiquement le punk rock (Search &amp; Destroy) et les films d'horreur.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/q9Dd5Ze10tQ" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Outre le plaisir à suivre l’inventivité bricolée de son œuvre de destruction massive, sa personne elle-même est terriblement attachante. Jan Hakon Erichsen est presque comme l’un des objets qu’il utilise, il profite de la forme de son corps et de ses limites, celles d’un homme générique d’âge moyen et n’hésite pas à se tourner en ridicule, à s’affubler d’objets divers, dangereux ou pas. Il est un personnage au jeu tragi-comique efficace en plus d’être un performer.&nbsp; Nous sommes particulièrement ravis qu’il ait accepté de répondre gentiment à quelques questions.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction_Tetes_706fb58c0d.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction14_4da5fd9537.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen&nbsp;: “Quand j'étais à l'école d'art (l'Académie nationale des arts d'Oslo), j'ai acheté un livre de Phaidon intitulé Performing the Body qui a eu un impact majeur sur moi. Il donne un aperçu très complet des débuts de l'art de la performance et c'est là que j'ai découvert des artistes comme Chris Burden, Bruce Nauman et Bas Jan Ader. Au début, je faisais surtout de la sculpture et de l'installation, mais il y avait toujours un aspect performance. Après l'école d'art, je me suis progressivement tourné vers l'inverse : l'art de la performance avec un aspect sculptural“. Bas Jan Ader, autre performer radical a disparu en mer entre Cap Cod (États-Unis) et l’Irlande en 1975. C'était son ultime performance, la traversée de l’Atlantique à bord d’un bateau trop léger, intitulée In Search of the Miraculous.<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/xScIA2F4pig" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Jan Hakon Erichsen&nbsp;: “La destruction&nbsp;a été une grande partie de ma pratique artistique depuis mon école d'art, mais quand j'ai commencé à faire ces vidéos très courtes pour Instagram, c'était surtout pour le plaisir, sans plan préalable. Je venais de terminer une grande exposition et je voulais juste faire quelque chose pour mon propre divertissement. Je l'ai filmée avec mon téléphone et j'avais envie de la partager avec mes amis, alors je l'ai mise sur Instagram et, à partir de là, la balle a commencé à rouler. Finalement, je suppose que c'est juste très satisfaisant de voir quelque chose se détruire, comme un enfant qui jette des pierres sur une fenêtre“.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction11_e7b9d34f6b.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen : “Mes vidéos se nourrissent directement d'autres installations que j'ai réalisées précédemment, ou bien cela commence avec les matériaux que j'utilise. Si, par exemple, j'achète un nouveau couteau, je commence par me demander comment je peux l'utiliser d'une manière intéressante, puis je fais des essais jusqu'à ce que quelque chose se manifeste. Parfois, je vais dans des magasins juste pour chercher des objets dont je pense qu'ils pourraient avoir un potentiel. Un nouvel objet donne généralement lieu à plusieurs nouvelles performances. Je réalise généralement deux ou trois vidéos chaque fois que je suis dans mon studio“.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction17_e827018ac1.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen : “Je commence généralement par m'asseoir dans mon studio et réfléchir à des idées possibles, puis je rassemble les matériaux nécessaires. Très souvent, cela implique un peu de menuiserie et je commence à construire un “engin“ juste pour la performance en vue. Parfois c'est compliqué et cela prend quelques heures, parfois cela ne prend que cinq minutes. J'utilise généralement des outils de menuiserie basiques, comme des perceuses et des scies à main, ou même je me contente d'assembler des objets avec du ruban adhésif. Je suis toujours à la recherche de la solution technique la plus simple. Une fois que mon idée et mon engin&nbsp; sont prêts, je commence à réfléchir au rendu vidéo. Je filme avec 2 à 4 caméras sur des trépieds afin d'obtenir le meilleur angle et ne pas avoir à faire beaucoup de prises. Lorsque les caméras sont prêtes, je filme ma performance, puis je vérifie les séquences et les monte sur mon ordinateur ou parfois même sur mon téléphone“.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction3_eff1894a30.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction_Tetes2_7e514ad3ae.jpg"></figure>Dans les vidéos de Jan Hakon Erichsen, ce qui fait partie de la tension et du pouvoir comique, c'est la mise en danger potentielle de sa propre personne. Sa présence impassible ressemble à celle d’un Buster Keaton défiant les possibles atteintes corporelles. Les casques et autres protections anti-bruit dont il se revêt lui donnent une petite touche ridicule dont il semble profiter sans gêne. Jan Hakon Erichsen : “En général, je ne me blesse pas, mais il y a eu un accident grave. Je suis tombé sur l'une de mes sculptures au couteau et je me suis gravement coupé les mains. J'ai dû me faire opérer de la main gauche et cela aurait pu être bien pire“.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction21_299a47c800.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen : “Je ne travaille pas pour mettre en avant un message ou quelque chose comme ça. Je fais juste des choses que je trouve captivantes et j'espère que d'autres personnes ressentent la même chose, mais je suis très intéressé par la destruction en tant que force créative. Je la vois comme une sorte de côté obscur de la créativité et je l'utilise activement pour modifier et améliorer le potentiel inhérent des objets du quotidien“.<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction5_1b32e07997.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen : “Aujourd'hui, je vis principalement de la vente de mes vidéos en tant que NFT, mais mon travail a également été utilisé dans certains contextes commerciaux. Parfois, j'ai de la chance et j'obtiens une subvention“.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Passion_Destruction_Tetes3_ece7090378.jpg"></figure>Jan Hakon Erichsen : “Je voudrais partager avec vous Der Lauf der Dinge (Le Cours des choses) (1987) de Fischli &amp; Weiss qui est l'une des premières œuvres d'art vidéo que j'ai vues et elle reste l'une de mes œuvres d'art préférées. Une œuvre de référence pour nous aussi, décidément il a tout pour plaire, ce drôle de Norvégien.&nbsp; Vous l’avez sans doute compris, nous faisons partie des fans de Jan Hakon Erichsen depuis longtemps et sommes pas prêts à la quitter.<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/0LAQyPMSHiw" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image image_resized" style="width:50%;"><img src="/uploads/Tetes_Jan_Hakon_mp4_high_bf684fc15f.gif"></figure>

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Isabel Reitemeyer

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La collagiste berlinoise Isabel Reitemeyer réussit à exprimer complètement ses émotions avec le minimum d'éléments possible, ayant simplifié au maximum les images auxquelles elle s’attaque. De quelques traits de cutter, elle dé-visage les humains, raccourcit les voitures, démembre les animaux. Tout en tendant à une certaine perfection, Isabel déclenche aussi le sourire. Les cibles auxquelles elle s’attaque en ressortent à la fois purifiées mais possiblement ridicules, dépouillées de l’essentiel ou du superflu. C’est à présent au spectateur de combler les manques ou d’incorporer avec une joie enfantine la nouvelle «&nbsp;créature&nbsp;» à son bestiaire imaginaire personnel. Suivant sa règle "moins c'est plus", Isabel Reitemeyer créée ainsi de nouveaux espaces dans des images qui se seraient en quelque sorte mangées elles-mêmes de l’intérieur. Les nouvelles interprétations aux espaces simplifiés qu’elle propose sont étonnement apaisantes et le plus souvent sur fonds simples ou unis. &nbsp;&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_08_afe79de1f7.jpg"></figure>Elle dit aimer les créatures imparfaites. Les siennes pourtant nous semblent tendre vers une possible perfection. Elles sont pourtant complètement absurdes, comme l’œuvre d’un(e) biologiste en proie à la folie qui aurait généré de nouvelles espèces en se contrefichant de leur viabilité. Devant ces «&nbsp;créatures&nbsp;», on se sent libre de toute association, interprétation, direction, les visages et yeux étant souvent retirés, aucune influence émotionnelle due aux expressions faciales ne peut s’imposer. On se retrouve le cerveau en totale liberté pour vivre à notre guise les bizarreries du freak show qui nous sont proposées. Isabel a accepté avec gentillesse de nous raconter un peu les dessous de son entreprise hautement soustractive.<figure class="image"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_15_72c21b43d4.jpg"></figure>Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;En fait, j'ai toujours été créative et j'ai toujours aimé dessiner et peindre. Il était donc évident pour moi de faire quelque chose dans ce domaine. À l'âge de 18 ans, j'ai décidé de faire un apprentissage d'étalagiste. Pendant cette période, j'ai rencontré un artiste qui m'a beaucoup montré et que j'ai pu accompagner partout. Tout cela m'a beaucoup inspiré et j'étais très motivée pour continuer dans cette voie. J'ai alors étudié le graphisme tout en continuant à peindre à côté. Vers 2007, j'ai commencé à mélanger les matériaux et, par exemple, à incorporer dans mes peintures des photos de mon petit neveu nouveau-né et de vieilles affiches que je ne voulais pas jeter. C'est ainsi que sont nés les premiers collages mixtes sur toile, qui ont ensuite évolué vers des collages purement papier. Je ne sais plus vraiment à quoi je pensais à l'époque. Il y a bien trop longtemps&nbsp; maintenant.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_10_d20f48aa89.jpg"></figure>Les mains, les bras, les jambes et leurs positions en disent souvent beaucoup plus que les mots, les vêtements. Elle n’hésite pourtant pas à les supprimer. Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;Je n'ai pas directement de but en simplifiant ainsi les images. Mais j'aime que ce soit ordonné et calme. Du moins sur le papier. J'essaie d'exprimer un sentiment avec le moins de matériel possible ou d'en enlever tellement qu'à la fin, il reste encore quelque chose de significatif. Ce que je peux enlever, c'est ce que j'explore.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_01_d99a7ee7f7.jpg"></figure>Isabel Reitemeyer ne cherche pas à embellir les images, elle les dépouille jusqu’à l’os à la recherche de leur essence, créant des êtres ou des objets nouveaux et en quelque sorte résumés : boules de poils, ou vitres sur roues. Elle n’a aucune limite dans la soustraction.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Isabel_Pochette_de_disque14_01_10_2ff302e4bb.jpg"><figcaption>Pochette de disque <a href="https://www.instagram.com/talkingtoturtles/?hl=fr">pour</a> Talking to Turtles&nbsp;</figcaption></figure>Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;Dans mon processus, je commence par chercher du matériel (livres et magazines) dans les friperies, sur les marchés aux puces, etc. Je le feuillette et si quelque chose me plaît, je le découpe. En général, il s'agit d'images avec des zones, des divisions et des arrière-plans clairs. Si c'est le cas, il s'agit souvent d'un bon matériel avec lequel je vais pouvoir travailler. Ensuite, j'enlève tout ce que je n'aime pas dans l'image. Il s'agit souvent des éléments principaux de l'image, comme les yeux. J'essaie alors de les réduire au minimum. Si le résultat est une bonne image, je la garde. Sinon, j'en essaie une autre. Pour tout cela, j'utilise généralement des ciseaux, parfois un couteau de bricolage, du papier et du Fixogum Rubber Cement (une colle élastique et amovible).&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_07_bf2a167f7d.jpg"></figure>Isabel est une travailleuse manuelle, elle pense que le travail analogique ne disparaitra jamais. Dans certains domaines, les nouvelles technologies sont un enrichissement, une amélioration. Mais dans d'autres domaines, comme l'art et le collage, ce n'est pas obligatoirement le cas. Il semble bien que ceux qui aiment travailler de manière numérique continueront à le faire, et ceux qui aiment travailler de manière analogique continueront à le faire aussi. Chez elle, les traits de coupe et les épaisseurs de collage restent visibles, le hasard peut faire partie de son processus, et pas de retour en arrière une fois qu’elle est lancée.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_02_b3702eade4.jpg"></figure>Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;J'aimerais laisser à chaque spectateur l'interprétation de ce que j’ai pu vouloir défendre ou exprimer dans mes collages.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_19_66fe8e2cbb.jpg"></figure>L’intérêt de son travail réside aussi dans le fait qu’elle fabrique des familles, des corpus. Un peu comme si elle était à l’origine de nouvelles espèces sans véritable conceptualisation au préalable. Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;Pour démarrer une nouvelle série, il suffit que des images ou des photos me plaisent au départ pour que je me lance. C’est l’élément déclencheur.&nbsp;» Ainsi, au moment où nous vous parlons du travail de Isabel Reitemeyer, il semblerait qu’elle soit tombée sur un magnifique filon de photos d’automobiles donnant lieu à de sublimes voiturettes raccourcies.<figure class="image"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_18_d8912c0920.jpg"></figure>L’absurdité visuelle de sa proposition peut avoir un certain pouvoir comique sans que cela donne l’impression que ce soit l’effet recherché. Cependant, son freak show charcuté est souvent drôle et attendrissant malgré le traitement implacable qu’elle inflige à ses sujets. Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;Ces dernières années, et plus particulièrement au début de l'année dernière, nous avons été inondés de nouvelles terribles (guerre, bouleversements climatiques, Covid, etc.) Pour pouvoir supporter tout cela, je voulais et je devais y opposer quelque chose qui me remonterait le moral. Je pense que l’humour dans mon travail est principalement une confrontation ou une réaction à ce qui se passe autour de moi en ce moment.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_06_4b4586641f.jpg"></figure>Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;Ce qui m’inspire tant chez les animaux est leur authenticité, leur sincérité, leur vivacité, leur comportement et leurs similitudes avec nous, les humains.<figure class="image"><img src="/uploads/isabel_reitemeyer_16_d9fe2ba708.jpg"></figure>Isabel Reitemeyer&nbsp;: «&nbsp;J'aime particulièrement le travail de l’artiste suisse Beni Bischof. Je suis très sensible à son art et son humour.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_04_13_a_11_49_05_1ebd16cf16.jpg"></figure>Et nous, à la suite de cela, d’avoir envie de vous aiguiller sur le travail de l’<a href="https://www.brainto.com/posts/montre-a-personne">artiste belge</a> Katrien de Blauwer dont le travail de «&nbsp;cut&nbsp;» et collage va aussi vers la simplicité par la réduction. Impossible de ne pas la mettre en lien également avec <a href="https://brainto.com/posts/distorsions-de-realite">notre chère</a> Lola Dupré pour leur amour commun des chats et chiens.

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collage par soustraction

Cyma

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Cyma est un homme à tout faire, pas celui corvéable à merci, mais plutôt l’homme affranchi, qui a trouvé sa liberté dans l’autonomie. Il est toujours épatant de constater que certains impatients, plutôt que d’attendre de réunir les budgets nécessaires, plongent eux-mêmes les mains dans le cambouis avec une bonne énergie, tout en utilisant des outils courants. Cyma est de ceux-là, un «&nbsp;musicien à tout faire&nbsp;» qui a appris la musique en autodidacte mais aussi à fabriquer l’image pour visualiser ses sons. Comme nous, il a fait le constat que nous baignons dans l’époque bénie des tutos sur YouTube, source de savoir universel, et qu’apprendre à se servir des logiciels nécessaires est à la portée de toutes et tous, il suffit juste d’une (grande) quantité de patience et de volonté pour y parvenir. Cet artiste-couteau suisse nous fait la démonstration qu’avec (beaucoup) d’acharnement, et un sens du système D malin, tout le monde peut le faire. Comme Cyma sait vraiment tout faire, y compris raconter son cheminement avec humour, le mieux est de lui laisser la parole, c’est tout à fait passionnant, voire inspirant.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Gollum_12_42_9491595a72.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Tout commence par le skate, mon père avait un vieux skate dans le garage (qu'il avait "acheté 10 francs dans une brocante") et, avec mon frère jumeau on a très vite voulu le nôtre. On a donc commencé le skate à 10 ans, et j'ai commencé à expérimenter avec ma première caméra vers 13-14 ans. L’univers du skate est très lié à la vidéo, la musique et à l'art en général. Il y a toujours eu un effort esthétique dans les vidéos de skate, que ce soit sur la manière de filmer, le montage, le choix de la musique, jusqu'à l'exécution des tricks elle-même. La musique est venue beaucoup plus tard, j'ai appris la guitare vers 18 ans pendant un an, puis j'ai laissé tomber, par manque de motivation... Dix ans plus tard, j'étais surveillant au lycée et j'avais un weekend de quatre jours : c'était le moment parfait pour retenter de faire de la musique, restée un rêve inachevé dans ma tête. Plus précisément, j'ai eu un déclic en découvrant "Redbone" de Childish Gambino. C'était exactement le genre de musique que je rêvais de faire... Quelques jours plus tard j'ai acheté une guitare, cracké le logiciel Ableton, regardé des heures et des heures de tutos YouTube et c'était parti ! Cinq ans après, c'est toujours la seule reprise que je connaisse... »<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/nRJnZsB52Es" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Gollum_14_20_235db6abec.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Pour mon premier EP en 2019, j'étais pas mal inspiré par Mac DeMarco, mais entre-temps j'ai découvert Mac Miller (une semaine avant qu'il ne disparaisse... sacré sens du timing) et on peut dire que mon dernier EP "Waves" est grandement inspiré de ses deux derniers albums, "Swimming" et "Circles". Ma dernière chanson "Irony II" et son clip sont inspirés du clip et de la chanson "Good News" de Mac Miller. J'ai été transporté par ce voyage psychédélique façon collage et j'ai tout de suite eu envie de tenter de le faire à ma sauce. Pour la partie technique, j'ai utilisé des photos/vidéos libres de droits pour les fonds, que j'ai modifié sur un logiciel photo et/ou vidéo... Et par-dessus tout ça j'ai incrusté des vidéos de moi faisant du skate ou de la musique. Chaque scène est une sorte de collage numérique de plusieurs éléments.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Irony_II_13_11_44_9a58dd334c.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Je me suis mis à tout fabriquer moi-même, à la fois par choix esthétique et nécessité. J'ai commencé par le clip de "Mellow Monster".&nbsp;Comme je savais déjà filmer/monter des images grâce au skate, je me suis dit&nbsp;: pourquoi pas&nbsp;? La chanson parle de la dualité qu'on peut avoir en nous, du coup je trouvais ça drôle de me fabriquer un masque de monstre pour créer mon alter ego. J'ai utilisé un ballon de baudruche, du plâtre et de la fausse fourrure. Pour le même EP, je rêvais d'un clip en dessin animé (petit, je voulais devenir "dissinateur de dissins animés"), mais quand j'ai vu les prix des studios d'animation, j'ai vite compris qu'il fallait que je me débrouille. Heureusement je dessinais beaucoup quand j'étais enfant du coup ça m'est un peu revenu, et avec mes connaissances en montage vidéo j'ai pu faire le clip de "Everyday", ma première animation.&nbsp;»<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/tVQYP0P4WR8" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Dessins_Everyday_cab4db4193.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;J’ai envie de poursuivre cette fabrication autonome audio et image, mais maintenant j'aimerais bien aussi avoir un peu d'aide de personnes qui savent vraiment de quoi ils parlent (pour sortir un peu de mon style "système D" du mec qui fait tout "pas mal" mais rien "très bien", haha). Comme des ingé sons, des musiciens, ou pour les clips, des vrais studios d'animation. Mais tout cela a un prix et je n'ai pas les moyens pour l'instant malheureusement ! Mais je voudrais toujours avoir mon mot à dire dans la création et la technique, disons par nécessité psychologique : créer des choses me fait me sentir entier et épanoui.&nbsp;»<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/3WJOoR--Esg" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Irony_II_11_28_9327221322.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Le clip "Irony II", c'est uniquement de la sorcellerie informatique. De la modification de photos et de vidéos grâce à GIMP (logiciel photo un peu comme Photoshop mais gratuit :) et Premiere Pro (logiciel de montage vidéo). Comme je voulais un côté collage à l'arrache, j'ai fait le découpage des clips où je skate ou fais de la musique par des IA : il suffit de taper sur Google "détourer vidéo en ligne" et paf&nbsp;! C'est mal fait, mais ça marche. Ensuite tu prends ce personnage détouré et une vidéo de nuages trouvée sur YouTube par exemple, tu les importes dans ton logiciel de montage vidéo et tu peux les "coller" ensemble en les superposant.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Irony_II_09_22_01f7248a6d.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Pour "Cycle" j'étais tombé par hasard sur Instagram sur un mec qui utilisait EbSynth, un logiciel gratuit qui peut transformer une vidéo en animation. J'ai commencé par me filmer avec mon téléphone en train de chanter la chanson en playback. Ensuite j'ai mis cette vidéo dans Adobe Premiere Pro et je l'ai exportée en images JPG seules (mon téléphone filme en 30 images secondes, ça m'a fait environ 6000 images, c'était terrible&nbsp;!). Maintenant le jeu c'est de redessiner certaines images avec un logiciel photo, comme on le ferait avec un papier calque. Tout à la souris parce que pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué (et je n'ai pas de tablette graphique…) Une fois que c'est redessiné, je peux rajouter des couleurs et un fond vert.&nbsp;»<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/-m4JQ6IhR5g" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Cycle_Plein_d_images_a_redessiner_bb19e9cc0d.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Ensuite cette image redessinée, on l'importe dans EbSynth ainsi que toutes les images de la vidéo, et EbSynth est censé "calculer" les dessins correspondants à toutes les images restantes. Sauf que… le logiciel faisait plein d'erreurs sur les lèvres et les dents du playback, et du coup j'ai dû redessiner énormément d'images. A réimporter ensuite dans EbSynth qui recalcule, puis tu redessines les erreurs, tu réimportes, il recalcule, tu redessines, il recalcule etc, etc, etc, etc, haha&nbsp;! &nbsp;C'était une fausse bonne idée et ça m'a vacciné de l'animation pour un moment.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Cyma_Des_dessins_Irony_I_00f2f11f4b.jpg"></figure><div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/zLORmAIuSVw" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Pour les autres dessins animés ("Everyday", "Blue Bubble", et "Irony I") j'ai dessiné au feutre sur des feuilles blanches, dessins que j’ai pris en photo avec mon téléphone pour les mettre sur mon ordinateur, pour ensuite rajouter les couleurs <a href="https://www.gimp.org/downloads/">sur</a> GIMP (un outil d'édition et de retouche d'image, diffusé sous la licence GPLv3 comme logiciel gratuit et libre). Ensuite tous ces dessins recolorés, je les colle les uns derrière les autres dans un logiciel de montage vidéo, et paf, ça fait des Chocapics. C'est ce que j'ai préféré faire, c'est plus organique, de l’image par image classique. Ça prend beaucoup de temps, mais ça fait beaucoup de bien à faire. :)&nbsp;»&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/C_Yma_Irony_I_13_23_32_d68bf7e128.jpg"></figure>Cyma&nbsp;: «&nbsp;Je partage avec vous un artiste que j'ai découvert récemment et qui m'a beaucoup plu : Djo. Son vrai nom, c'est Joe Kerry et c'est marrant parce que c'est l'acteur qui joue un des personnages principaux de la série Stranger Things. Il fait de la très bonne musique, la production est super propre sur son dernier album "Decide". Je vous encourage à écouter l'album ainsi que la chanson "Roddy" qui a un beatswitch très intéressant à la fin :)&nbsp;»<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/xUWUB22hD3s" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><div class="raw-html-embed"><iframe style="border-radius:12px" src="https://open.spotify.com/embed/album/7eopWSDW2lwFsZxWEpRRye?utm_source=generator" allowfullscreen="" allow="autoplay; clipboard-write; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" loading="lazy" width="100%" height="352" frameborder="0"></iframe></div>

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Homme à tout faire

musique

Marine Luszpinski

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Marine Luszpinski&nbsp;: «&nbsp;Une collection de couteaux gigantesques, des hachoirs, des piles de magazines réservés aux adultes, des photos floues de camions sur l’autoroute, deux immenses frigos dans le salon, une vaisselle collée au fond d’un évier noir, des captures d’écran argentiques de séries TV, des actrices obscures encadrées au-dessus de son lit. C’est à sa mort, il y a quelques années, que nous découvrons le petit appartement dans lequel vivait l’homme aux grosses couilles, l’ogre qui nous criait à sa fenêtre quand nous avions 15 ans : Vos gueules les p’tites putes !&nbsp;»&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_7_122c1b4182.jpg"></figure>Les centaines de photographies argentiques prises sur son téléviseur par cet encombrant et vociférant voisin, littéralement obsédé par d'insipides téléfilms, servent de base aux acryliques de Marine Luszpinski. Une vitrine dans l’exposition donne une petite idée de cette étrange matière obsessionnelle qu’elle a pu récupérer.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_4_a1166105d9.jpg"></figure>S'inspirant des cadrages ou des situations capturées pour ses compositions, elle y gribouille dans des bulles des dialogues de son cru à coups de peinture noire comme une ado au stylo, avec un sens du décalage et de la drôlerie particulièrement mordant.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_6_e35e74909b.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_5_9211706470.jpg"></figure>Définitive, lapidaire et sans nul doute cathartique, cette série de peintures débutée en 2019 vient enterrer le traumatisant vestige de l'adolescence et ce salopard de voisin, tout en livrant un regard ironique et acide sur les interactions particulièrement débiles de nos contemporains. C’est un bonheur, ne vous en privez pas.<figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_1_b70a98bb24.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_3_791c9c1ad4.jpg"></figure>Une exposition de Marine Luszpinski&nbsp;à la<a href="https://www.artsfactory.net/"> galerie</a> Arts Factory 27 rue de Charonne 75011 Paris du 1er mars au 1er avril 2023. Photos dans l’expo&nbsp;: <a href="https://www.instagram.com/mahabdi/?hl=fr">@mahabdi</a>&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Marine_Luszpinski_2_54868a003a.jpg"></figure>

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Vos gueules !

Sarah Beth Morgan

Sarah Beth Morgan est une illustratrice et réalisatrice de films d’animation. Elle explore les palettes, les personnages et les textures, sur un ton espiègle et décalé. Avec Between Lines, elle choisit un sujet plus grave et tente un style plus sérieux. Sarah Beth Morgan&nbsp;: “Je voulais ajouter plus de noirceur et de détails à Between Lines, pour que le sujet soit abordé de manière plus impactante. Je me suis vraiment lancée dans un nouveau style que je n’avais jamais approché.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles10_b7b2c184b0.jpg"></figure>C’est au cours de sa thérapie que Sarah Beth Morgan a décidé de convertir son trauma en animation, mais tout ce qui l’entoure&nbsp;l'inspire aussi : les réseaux sociaux, les promenades dans son quartier, les magazines d’art … Et même son chien trop mignon, Bandit. Sarah Beth Morgan&nbsp;: «&nbsp;Pour ce projet en particulier, j’ai vraiment été inspirée par Elle Michalka (<a href="https://www.instagram.com/eleanormichalka/?hl=fr">ici</a>) et Robin Francesca Williams (<a href="https://www.instagram.com/robinfrancescawilliams/?hl=fr">là</a>). Leur travail à toutes les deux est incroyable et tellement différent de ce avec quoi je m’amuse habituellement&nbsp;!&nbsp;».<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles9_ef879c290e.jpg"></figure>Impossible de classer Sarah Beth Morgan dans un style mais ses œuvres ont toutes une même perspective&nbsp;: celle de raconter une histoire et de créer du lien. Elle a su rassembler plus de 30 femmes autour de son&nbsp;<a href="https://www.betweenlinesfilm.com/">projet</a> Between Lines. Sarah Beth Morgan&nbsp;: «&nbsp;J’ai toujours voulu travailler avec une équipe exclusivement féminine, principalement parce que je voulais me mettre au défi de rencontrer de nouvelles femmes dans le milieu, et de créer une communauté proche et bienveillante. Je me suis dit que Between Lines serait le projet idéal, puisque le thème du harcèlement scolaire résonnait fortement avec ce que les autres femmes pouvaient expérimenter.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles1_2fd0cabf1d.jpg"></figure>Une autre particularité de ce film est qu’il a été réalisé en pleine pandémie avec des artistes du monde entier. La génèse de Between Lines date de 2019, avec à sa tête Sarah Beth Morgan bien sûr, Rebekah Hamilton (<a href="https://www.rebekahhamilton.work/">productrice</a>) et Taylor Yontz (<a href="https://www.tayloryontz.com/">lead animatrice</a>). Mais quand la pandémie a éclaté, pour éviter un stress supplémentaire, elles ont décidé de diminuer chacune leur charge de travail. Et c’est ainsi que d’une équipe très réduite, le projet est devenu international. Sarah Beth Morgan&nbsp;: «&nbsp;Nous ne voulions stresser personne plus que nécessaire, et nous ne voulions pousser personne à travailler super dur pour une si petite rémunération. Donc former une plus grande équipe semblait être la solution la plus logique. Cela nous a demandé beaucoup de travail de trouver tous ces incroyables talents et de les convaincre de travailler sur le projet. Mais en tant que freelance, j’étais déjà à l’aise avec le fait de travailler à distance avec des artistes du monde entier. » Toute l’équipe est présentée sur le site du film, allez y faire un tour, elles sont merveilleuses&nbsp;!<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles2_82eb11e8f0.jpg"></figure>Avec autant de personnes à l’ouvrage, autant d’animatrices qui travaillent chacune sur un ou deux plans, on peut se demander comment au final on réussit à créer une œuvre cohésive. Sarah Beth Morgan&nbsp;: «&nbsp;Je pense que si le style des illustrations est consistant, c’est beaucoup plus simple de faire en sorte que l’animation soit consistante. Puisque j’ai designé moi-même l’essentiel des visuels, tout était déjà plutôt cohérent. À partir de là, il fallait juste trouver les bonnes personnes avec les bonnes compétences. Je préparais aussi des briefs créatifs très détaillés sur une Dropbox, avec des exemples du genre de travail que nous recherchions, ce qui a définitivement aidé.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles3_5871ee6897.jpg"></figure>Between Lines a commencé sa vie festivalière <a href="https://www.brooklynfilmfestival.org">au</a> Brooklyn Film Festival le 10 juin dernier avec, et hop, un premier prix dans sa valoche&nbsp;! Pour la réalisatrice, bien qu’elle soit extrêmement fière de ce que l’équipe a achevé, et impressionnée par la qualité du travail de chacune, l’expérience en elle-même de la création du film a pris le pas sur le résultat final. En plus d’un bel objet animé, le projet a guéri certaines blessures et créé des amitiés durables. Sarah Beth Morgan&nbsp;: «&nbsp;Le projet a aidé nombre d’entre nous à nous sentir utile au début de la pandémie, et j’ai rencontré quelques-unes de mes meilleures amies en travaillant dessus. Ça me semble bizarre de ne plus discuter tous les jours avec toutes ces femmes super talentueuses. Ça me manque.&nbsp;» Avec son parcours en festival, la réalisatrice voudrait atteindre un public plus large et avoir plus d’impact. Le projet est partenaire <a href="https://www.hellobloom.org">de la</a> Bloom Foundation qui aide les jeunes filles à retrouver confiance après des expériences difficiles. Dans un futur proche, la réalisatrice souhaiterait organiser une projection avec les étudiantes de la fondation. D’autres projets sont en cours de réflexion, et peut-être la création d’un podcast destiné au milieu de l’animation.<figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles4_661dfad030.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Entre_Filles5_1fb120d296.jpg"></figure>

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Entre les lignes

Monika Kozub

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Si le terme “femme sauvage” ne vous dit rien, jetez donc un œil au travail de Monika Kozub pour mieux comprendre. Dans son Berlin Boudoir, les femmes dansent dans les bois, se baignent dans les rivières et fusionnent avec le monde végétal. Véritables sorcières modernes, elles nous entraînent dans leurs rondes où le corps est célébré dans son état le plus naturel et où le sang des règles est sublimé. Monika Kozub : «&nbsp;Ma talentueuse amie Chloé Banks a utilisé le terme “décadence féministe” pour décrire mon travail et c’est devenu le terme que je préfère. Mon travail est sensuel et délicat mais aussi audacieux et provocateur. Je cherche à enquêter sur la relation entre le corps, la nature et notre sexualité, tout en questionnant les stigmates et les tabous. Je veux ramener la beauté naturelle au premier plan et m’éloigner du glamour qui a pris le dessus dans les médias autour de nous. Il y a une grosse différence entre l’aspect cru et honnête de la beauté au naturel et la sensation artificielle et policée qui ressort du glamour.&nbsp;C’est bien pour cela que le glamour ne m’intéresse pas.&nbsp;»&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Monika_Kozub_9_8bae093f4d.jpg"></figure>Si aujourd’hui l’univers visuel de Berlin Boudoir semble parfaitement maîtrisé, l’aventure a pourtant démarré presque par accident :&nbsp; Monika Kozub : «&nbsp;En 2017, alors que je vivais à Amsterdam, j’ai commencé à proposer des séances photos aux touristes en tant qu’expérience Airbnb. Puis j’ai déménagé à Berlin et j’ai continué à proposer la même chose. Environ 90% de mes clients étaient des femmes qui venaient des quatre coins du monde, et presque 100% d’entre elles démarraient la conversation avec les mêmes excuses : “J’ai toujours mauvaise mine sur les photos”, “Mes cheveux sont horribles aujourd’hui”, “Si seulement je perdais 5 kilos”…&nbsp;»&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Monika_Kozub_6_ebadcf00f8.jpg"></figure>Monika Kozub : «&nbsp;J’ai vu des femmes magnifiques, belles à leur manière, qui semblaient insatisfaites elles-mêmes. Cela nous a amenées à discuter de la façon dont le corps des femmes est représenté dans les médias et de la toxicité qui se dégage de cette culture. En tant que photographe, j’ai senti que je pouvais faire quelque chose à ce sujet : défier les normes représentatives et montrer la vraie beauté au naturel. C’est comme ça qu’est né Berlin Boudoir&nbsp;en 2019.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Monika_Kozub_may_28_menstrual_hygiene_day_2022_1080x675_dbb137c847.jpg"><figcaption>Monika Kozub elle-même</figcaption></figure>Au fil des ans, Berlin Boudoir s’est développé et s’est étendu à d’autres médias. Aujourd’hui Monika a son propre podcast intitulé Boudoir Talk dans lequel elle interviewe des femmes sur leur vie et leur sexualité. Elle dessine des&nbsp;<a href="https://berlinboudoir.studio/index.php/2022/09/30/in-solidarity-with-iranian-women/">affiches illustrées&nbsp;</a>pour des manifestations féministes. Elle organise également des ateliers et des évènements. Et l’année dernière, elle a interprété un morceau écrit par Daniel S. Roden intitulé PERIOD qui célèbre les règles et dont elle a réalisé&nbsp;<a href="https://youtu.be/tKz3rE9Mel8">le vidéoclip</a>.<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/tKz3rE9Mel8" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Le travail de Monika s’étend à plusieurs disciplines, montrant bien l’envergure qu’elle donne à sa mission. Monika Kozub : «&nbsp;Il y a tellement de travail que nous devons faire collectivement pour changer la culture toxique qui entoure notre corps et notre sexualité ! Et chaque fois que je reçois un message de quelqu’un qui me dit que mon travail l’a aidé.e dans cette bataille, j’ai l’impression que je me rapproche de mon but et cela me donne envie de continuer.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Monika_Kozub_cherry_blossom_01_1080x675_2a96ec331b.jpg"></figure>Monika a trouvé une façon de transmettre un sentiment de bien-être à travers ses photos. Cela vient sans aucun doute des postures désinvoltes et envoûtantes de ses modèles. C’est là que réside son talent : sa capacité à sublimer ses sujets. Monika Kozub : «&nbsp;Je travaille habituellement en lumière naturelle car je photographie principalement des modèles qui ne sont pas habitué.e.s à être devant la caméra. Or l’ajout de lumières en studio ne ferait que les stresser et les incommoder. Je garde toujours à l’esprit que la séance photo est censée être une bonne expérience, un moment qui permette à la personne photographiée de se rapprocher de son corps, de l’apprécier et de le caresser. Les photographies doivent profiter de cette sensation première, car je crois que si vous vous sentez bien, cela se verra.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Monika_Kozub_5_a9a74b739a.jpg"></figure>C’est aussi pour son rapport à ses modèles que Monika nous recommande le travail de la grande photographe Susan Meiselas :&nbsp; Monika Kozub : «&nbsp;Il y a beaucoup d’artistes qui m’inspirent, mais je voudrais mentionner Susan Meiselas. Elle s’assure toujours que le déséquilibre du pouvoir en photographie (toujours en faveur de la personne qui tient la caméra) soit le plus faible possible. Elle prend toujours soin à ce que la personne photographiée ne devienne pas objet mais reste bien sujet, afin que son nom et son identité soit respectés selon ses propres termes.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Susan_Meislas_89a3c3da80.jpg"><figcaption>Susan Meislais - Série carnival Strippers - Shortie in the Bally, Barton, Vermont, 1974</figcaption></figure>Quant à nous, nous vous proposons de poursuivre la ronde des sorcières modernes avec&nbsp;<a href="https://brainto.com/posts/corps-feminin-au-naturel">les photographies</a> de Sandra Lazzarini, dont le travail sur le corps féminin flirte avec celui de Monika.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Monika_Kozub_4_174970813c.jpg"></figure>

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décadence féministe

artivisme

Zanele Muholi

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Les autoportraits «Somnyama Ngonyama» de Zanele Muholi vous envahissent et vous fascinent.&nbsp;Sur chaque image prise dans des hôtels à travers le monde, iel s’est composé un personnage énigmatique, sobre, d’une grande dignité, affublée de matériaux de récupération&nbsp;: pinces à linge, tampons à récurer, tuyaux d’aspirateurs, gaines électriques, qui s’intègrent naturellement à la nouvelle silhouette élégante. Aucun ridicule ou comique du déguisement, son regard grand ouvert vous fixe tranquillement. Ce regard n’est jamais agressif, il vous incite simplement à contempler ce visage volontairement obscurci, plongé dans des noirs profonds, les yeux, et parfois d’autres éléments du visage, émergent, rehaussés de maquillage blanc.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Bester_I_Mayotte_18_29_39_9e317e06f0.jpg"><figcaption>Bester I, Mayotte. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>Quelques portraits représentent le personnage de Bester, en hommage à sa mère, qui a travaillé comme employée de maison pour une famille blanche pendant plus de quarante ans, subvenant seule aux besoins de ses huit enfants.&nbsp;Zanele est la plus jeune, son prénom&nbsp;veut dire le dernier et Muholi veut dire leader. «&nbsp;Je voulais me souvenir de moi. Et je voulais apprendre à m’aimer.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_09_a_18_14_36_093a892b8c.jpg"><figcaption>Phila I, Parktown. 2016. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>Les gants sur cette image font référence à ceux utilisés dans la pratique médicale ou sur les scènes de crime. Muholi explique que « l'abondance de gants gonflés couvrant mon corps évoque la question du manque d'accès - en particulier celui aux digues dentaires ou à d'autres formes de protection contre les IST (infections sexuellement transmissibles) ». Le titre de l'œuvre signifie « Être en bonne santé /vivant » en zoulou.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_Vuyelwa_Makubetse_f32d8a801c.jpg"><figcaption>Vuyelwa Makubetse. Série Faces and phases</figcaption></figure>Outre ces autoportraits, Zanele Muholi met depuis le début des années 2000 sa photographie au service des personnes noires et LGBTQIA+ pour documenter les communautés queer d'Afrique du Sud. L’Afrique du Sud est de loin le pays le plus libéral du continent africain sur la situation des lesbiennes, des gays, lesbiennes et des trans. Sept ans avant la France, depuis 2006, les gens peuvent se marier. Mais les militants alertent sur l'énorme décalage qu'il y a entre les lois et la vraie situation. On compte encore de nombreux exemples de ce que les agresseurs appellent des «&nbsp;viols correctifs&nbsp;» sur les lesbiennes&nbsp;(perpétrés par des hommes hétérosexuels contre des personnes LGBTQIA+ afin de les « guérir » de leur orientation sexuelle). Mais aussi des meurtres de militant(e)s. Zanele Muholi se fait un devoir d'assister aux funérailles. Pour témoigner des actes qui sont commis contre les membres de sa communauté.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/hseX8pSUcZc" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>Lors de notre rencontre en 2012, Zanele Muholi venait de participer à «We live in fear» («&nbsp;Nous vivons dans la peur »), film dans lequel iel raconte sa démarche parallèle de documentation et de portraitiste engagée.&nbsp; Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;2012 a été l’une des années les plus douloureuses de notre histoire. Beaucoup de membres de notre communauté ont péri. Les crimes de haine, notamment les viols correctifs et les meurtres de lesbiennes, font partie des brutalités qui nous marquerons à jamais. Nous vivons dans la peur. Nous sommes unies par la mort. Ce sont ces crimes de haine qui unissent la communauté LGBT. On se rassemble pour se soutenir. Ou pour se confirmer le meurtre de l’une d’entre nous.&nbsp;Et que fait-on contre cela ? Doit-on assister aux funérailles puis rentrer chez soi et attendre les suivantes ? Il faut documenter.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_Ma_ID_in_Harlem_4ab3c8f640.jpg"><figcaption>&nbsp;Maid in Harlem. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>Si Zanele Muholi est avant tout photographe, iel est aussi devenu(e) une icône de la lutte des Noirs LGBT. Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;Mon travail est une exploration qui vise à créer / tracer les contours / protéger l’histoire visuelle des lesbiennes et queer noir-africains (LGBTI : lesbiennes, gays, bisexuels, transgenres, intersexes), après l’Apartheid, en Afrique du Sud. J’étudie la façon dont les activistes – socialement, culturellement, politiquement et économiquement marginalisés – peuvent utiliser les images pour créer des espaces de résistance et développer leur regard critique.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Qeering_Spaces_3b1589d6b5.jpg"><figcaption>Miss D’vine II,2007. Série Queering public space&nbsp;</figcaption></figure>Ses débuts remontent à 1999-2000. À 20&nbsp;ans, Zanele fait son coming out. En 1996, on lui recommande la photographie, qu’iel étudie au Market Photo Workshop, l’école fondée en 1989 par le grand photographe «&nbsp;social&nbsp;» sud-africain David Goldblatt et ouverte à tous. En&nbsp;1999, l’Afrique du Sud accueille la conférence de l’International Lesbian and Gay Association (ILGA). Iel y rencontre&nbsp;<a href="https://www.bartluirink.nl/">le journaliste</a> Bart Luirink, qui a fondé l’association Behind the Mask, ainsi qu'un site d’information sur les communautés LGBT en Afrique. Iel y travaille comme webmaster&nbsp; et se met à parcourir les townships pour documenter la vie des gens queer, dans les boîtes de nuit, et pour photographier les concours de beauté queer. C’était une activité dangereuse mais iel a ainsi entamé son œuvre de documentation de façon frénétique sans moyens et peu de soutien. C’est devenu une archive visuelle unique. Zanele commence à voyager en&nbsp;2006, et présente sa première exposition monographique en&nbsp;2012 à Amsterdam puis à Arles. Elle a depuis exposé partout.&nbsp; Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;J’utilise des visuels pour sensibiliser des gens, je veux capturer les instants, la vérité et la réalité. Que le monde découvre notre culture. Je vous propose du tangible.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Faces_16eef4542d.jpg"><figcaption>Série Faces and phases</figcaption></figure>Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;Pour un enfant queer, qui a grandi dans une Afrique du Sud qui a souffert, qui a encore des traumas collectifs, il n’y avait pas de représentation existante à laquelle s’identifier, parce la transformation qui avait lieu en Afrique du Sud prenait toute la place. Alors, en grandissant, quand on comprend qui on veut aimer et qu’il n’y a pas d’image qui montre ça, on est forcé de créer ses propres images. C’est pour cela que montrer des personnes queer est quelque chose d’extrêmement personnel pour moi.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_09_a_18_06_52_f69ea6cbb8.jpg"><figcaption>Sibusiso, Cagliari, Sardinia, Italy, 2015. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>Voici quelques-uns de travaux plus documentaires qu’elle mène de front avec toujours cette même farouche idée directrice&nbsp;:&nbsp; La première série (2002-2006) de&nbsp;Zanele Muholi «Only half the picture» (« Seulement la moitié de l'image ») documente la vie de survivant(e)s de crimes haineux notamment des viols « correctifs ». Sur la plupart des images, l'identité de ces personnes demeure cachée afin de protéger leur sécurité. La série révèle ainsi la douleur, l'amour et la défiance qui cohabitent au sein de la communauté noire.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Only_half_the_picture_6cc36b4d70.jpg"><figcaption>Série Only half the picture</figcaption></figure>La série «Brave Beauties» ou « Beautés courageuses » (2014, en cours) présente des femmes transgenres et non-binaires qui sont des drag queens et des candidat(e)s à des concours de beauté queer, qui, explique Muholi, y participent « pour changer les mentalités au sein des communautés dans lesquelles iels vivent, les mêmes communautés au sein desquelles ils sont le plus susceptibles d'être harcelé-es, ou pire encore ».&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Brave_Beauties_63e1eeef04.jpg"><figcaption>Série Brave Beauties</figcaption></figure>«Queering public space»&nbsp; (« Donner une dimension queer à l'espace public&nbsp;») : photographier des participant(e)s noir(e)s LGBTQIA+ dans les espaces publics est une part importante de l'activisme visuel de Zanele Muholi. « Nous «&nbsp;queerons » l'espace afin d'y accéder. Nous présentons notre transition au monde afin de nous assurer que les corps trans noirs fassent également partie de l'espace public. Nous le devons à nous-mêmes. »&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Queering_Spaces_f63f9048c2.jpg"><figcaption>Série Queering public space</figcaption></figure>Et pour finir, voyons ce sublime travail de portraits appelé «Faces and phases» - « Faces et phases » (2006, en cours). Cette série, qui compte actuellement plus de 500 images, dresse un portrait collectif documentant les membres de la communauté LGBTQIA+ en Afrique du Sud : « C'est important de marquer, de cartographier et de préserver nos mo(uve)ments à travers des histoires visuelles pour les archives et la postérité, afin que les générations futures sachent que nous étions là. » Le mot « Faces » fait référence aux individus, et « Phases » suggère différentes étapes de leur vie. Confrontant notre regard, iels sont photographié(e)s à égale distance de l'appareil photo et selon le même protocole : en lumière naturelle, en noir et blanc, sans artifice.&nbsp;<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_Mbali_Zulu_Kwa_Thema_Springs_Johannesburg_2010_copy_f10ed0b8bb.jpg"><figcaption>Mbal Zulu KwaThema-Springs Johannesburg 2010&nbsp; Série Faces and phases</figcaption></figure>Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;Aujourd’hui, j’essaie de montrer, au travers de portraits, les valeurs esthétiques montantes au sein des groupes lesbiens noirs sud-africains. Il n’existe que peu d’images positives de nous dans les archives féministes ou queer. Si j'adore faire de beaux portraits et les exposer dans des espaces publics, il ne faut pas perdre de vue que pendant que nous parlons, il y a toujours des gens qui sont tués.&nbsp;»<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_Front_Ntozakhe_II_59138f751c.jpg"><figcaption>Ntozakhe II, Parktown. 2016. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>Zanele Muholi se photographie avec une couronne d'éponges symbolisant d'une part une coupe afro et de l'autre le diadème de la statue de la Liberté. « L'image évoque l'idée de liberté - la liberté que toutes les femmes devraient avoir - ainsi que la fierté : la fierté de qui nous sommes, nous les Noires avec notre corps de femme. De quel genre de liberté parlons-nous ? De quelle race est-il, ce monument en l'honneur de Lady Liberty ? Je pensais à des femmes noires, militantes des droits civiques et humains criminalisées, et aux innombrables femmes prisonnières dans leur vie, qui ne sont libres ni dans leur condition domestique ni dans la société - celles de couleur notamment. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Zanele_Muholi_Thando_I_c9fbfdca38.jpg"><figcaption>Thando I. Série Somnyama Ngonyama</figcaption></figure>En se mettant en scène dans cette série d’autoportraits, Zanele a pu et su atteindre complètement son objectif premier&nbsp;: parler de sa communauté de façon efficace, touchante et documentée. Zanele Muholi&nbsp;: «&nbsp;Je ne fais pas de l’art, je mets l’art en pratique. Et l’art visuel est mon moyen d’action. L’appareil photo est devenu l’arme avec laquelle je parle, avec laquelle je demande de l’attention.&nbsp;Ne pas perdre espoir, ne pas se laisser décourager, poursuivre l'effort. Un jour, nous serons vraiment libres.&nbsp;» Zanele Muholi à la Maison Européenne de Photographie, à Paris. Jusqu'au 21 mai 2023.<figure class="image"><img src="/uploads/Zanele_MEP_0a4d996a8c.jpg"></figure>Pas encore rassasiés&nbsp;? Voici deux autres artistes pratiquant l’autoportrait avec récup&nbsp;: Lyle Xox,&nbsp;<a href="https://brainto.com/posts/autoportraits-en-recup">maître du maquillage</a> utilisant des objets destinés à la poubelle, et Threadstories,&nbsp;<a href="https://brainto.com/posts/avancons-masques">artiste irlandaise</a> qui avance masquée par activisme.

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Iel est lion(ne) noir(e)

Jezzelle Kellam

Il y a quelque chose de profondément sincère qui ressort du travail de Jezzelle. Ça passe à travers l’honnêteté de son style hyperréaliste lorsqu’elle dessine des rides, des cicatrices ou des bourrelets. Mais aussi de l’ordre de l’instinctif, qui prend sûrement racine dans son approche originelle au dessin. Jezzelle Kellam : « Je m’inscris complètement dans le cliché de l’artiste qui dessinait avant de pouvoir parler. Alors que j’étais toute petite, je me promenais toujours avec un crayon et j’étais tout le temps en train de dessiner quelque chose. Ce n’est qu’en 2019-2020 que je me suis sérieusement intéressée au dessin et que j’ai pris conscience de ma pratique. »<figure class="image"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_02_07_a_16_08_25_b3461bf327.jpg"></figure><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_a_17_55_33_c5a0374e88.jpg"></figure>Les corps de Jezzelle intriguent et fascinent… Les cicatrices, les membres manquants ou multipliés racontent une histoire troublante. L’histoire de notre rapport à notre propre corps :&nbsp;« Je décide consciemment de ne pas représenter la tête ou certaines parties du corps. Ainsi j’exprime une séparation littérale entre le corps et l’esprit. Cela accentue l’ambiguïté de mon travail à travers l’anonymat des modèles mais cela permet aussi certaines réflexions. Comment les gens, en général, peuvent-ils vivre si déconnectés de leurs corps alors qu’ils leurs sont vitaux ? J’essaye de représenter comment on peut habiter nos corps de manière physique, psychologique et physiologique. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_a_16_08_50_cdaf2a5f2d.jpg"></figure>La technique réaliste de Jezzelle impressionne par la rugosité presque palpable de ses textures de peau. C’est d’ailleurs ce qui l’a conduite à choisir le corps comme sujet de travail :&nbsp;« Au départ, j’étais fascinée par les images macabres : la décomposition de la nature, les crânes d’animaux... Je n’aurais jamais pensé utiliser le corps comme sujet principal. En 2019, j’ai travaillé sur un projet pendant mes études, et je me suis servie de mon partenaire et moi-même comme modèles. C’est alors que j’ai découvert que les textures de peau que je pouvais créer étaient très intéressantes. J’ai donc décidé de développer cela davantage et c’est ce que je continue à faire à présent. Ma technique se développant, j’ai vraiment pu me dédier à expérimenter de nouvelles idées de compositions, de poses ou de détails. »<figure class="image"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_16_06_56_b40d34d187.jpg"></figure>En utilisant une technique hyperréaliste pour représenter des corps imaginaires, Jezzelle nous invite à une réflexion sur le concept-même de réalité : « Il est très important pour moi de représenter des cicatrices, des poils, de la cellulite, etc. Ces attributs souvent considérés comme des imperfections, je tiens à souligner à quel point ils sont beaux. Il s’agit de remettre en question la façon dont la société perçoit notre corps mais aussi de questionner ma perception de la réalité et de mon propre corps. En manipulant les formes, en retirant des éléments, en utilisant des compositions, des poses et des angles particuliers, je crée de l’inconnu. Cela donne lieu à une sensation d'irréalisme. L’effet n’est ni photoréaliste ni surréaliste, mais une illustration réaliste fragmentée. C’est une invitation à réexaminer ce que nous croyons savoir. »<figure class="image"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_16_08_02_bc0e4ed596.jpg"></figure>Difficile donc de ne pas lire, à travers ce travail, le témoignage d’une jeune femme sur son rapport à son propre corps :&nbsp; Jezzelle Kellam : « J’ai dû honnêtement me rendre compte que les figures représentées dans mes œuvres avaient un sens plus profond. Il y a de moi dans ces corps. C’est une représentation de mes expériences, mes pensées et mes émotions. Cette compréhension s’est déverrouillée avec la maturité. J’ai pris conscience que ma vie et mon art formaient une seule entité. Pour comprendre quel était l’objet profond de mon travail, j’ai dû comprendre que beaucoup de mes œuvres étaient des autoportraits, des confessions de mon passé. Lorsque les gens voient mon travail, j’espère qu’ils peuvent en retirer ce que j’y ai moi-même gagné : un sentiment de clarté et une appréciation plus profonde de notre moi physique. Beaucoup d’entre nous font face aux mêmes problèmes de déconnexion et aux mêmes batailles dans la vie, et pourtant nous nous sentons si seuls. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_7_a_17_52_37_f4439d6c18.jpg"></figure>Une technique aussi précise que celle de Jezzelle nous donne envie de savoir quels sont ses secrets de fabrication. Elle a eu la gentillesse de nous les confier.&nbsp; Jezelle Kellam : « Je travaille uniquement en graphite car j’adore le travail monochromatique. Ce médium me permet de représenter un corps ou un objet couche après couche. J’ajoute des éléments jusqu’à obtenir un rendu de texture satisfaisant. Chaque cicatrice, imperfection, tache de rousseur ou ride, superposées les unes sur les autres, créent des textures rugueuses. Ma technique crée presque un effet de translucidité. J’utilise une gamme de crayons de HB à 6B pour cartographier les zones de ton et créer les formes. Pour le mélange et le tamponnage, j’utilise des pinceaux de différentes tailles. Mon préféré est un pinceau Filbert. Le dernier outil que j’utilise est un stylo-gomme qui ajoute de la lumière aux dessins. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_08_34_0df20851d7.jpg"></figure><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Jezzelle_Kellam_a_17_52_52_89c12b9d9d.jpg"></figure>Jezzelle a également eu la gentillesse de partager avec nous ses artistes préférés. Jezzelle Kellam : “Je pourrais lister sur des pages et des pages des artistes que j’aime, mais je vais essayer d’être brève. Parmi mes artistes favoris, Jordan Younger, Jenny Saville, Darryn Sharpe et Alyssa Monks. Certains d’entre eux sont sur Instagram et je vous invite à scroller leurs profils ! » (Liens dans les images)<figure class="image"><a href="https://www.instagram.com/jordantyounger/"><img src="/uploads/Jordan_Younger_68d7b6cc33.jpg"></a><figcaption>Jordan Younger,</figcaption></figure><figure class="image"><a href="https://www.instagram.com/jenny_saville_art/?hl=fr"><img src="/uploads/Jenny_Saville_e20ce06c56.jpg"></a><figcaption>Jenny Saville</figcaption></figure><figure class="image"><a href="https://consettmagazine.com/2020/11/08/an-interview-with-darryn-sharpe-40582/"><img src="/uploads/Darryn_Sharpe_405_9218560547.jpg"></a><figcaption>Darryn Sharpe</figcaption></figure><figure class="image"><a href="https://www.instagram.com/alyssamonks/"><img src="/uploads/Alyssa_Monks_819d7d5d36.jpg"></a><figcaption>Alyssa Monks</figcaption></figure>Quant à nous, on vous invite à (re)découvrir les <a href="https://brainto.com/posts/les-crayons-magiques-1">illustrations</a> tout au crayon, hyperréalistes, drôles, et colorées d'Uli Knörzer.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Uli_Knorzer_8eb294152f_04d0b9e58b.jpg"><figcaption>Uli Knörzer</figcaption></figure>

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expérience autre du corps

Bérangère Fromont

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photographe en résistance

Amandine Urruty

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Académisme dévoyé

Tim Molloy

Cela fait plusieurs mois que l’excellent dessinateur Tim Molloy inondait son Instagram d’images d’un tout nouveau genre… et pour cause, comme de nombreux artistes, il n’a pas pu ou voulu résister au doux chant des sirènes de l’intelligence artificielle et de Midjourney en particulier. Tel un Ulysse déterminé voguant sur son bateau, Molloy s’est solidement arrimé au mât et il n’a pas dévié de sa trajectoire. Il nous explique ainsi qu’un dialogue s’est installé avec la machine et c’est elle qui l’a amené à composer cette histoire invraisemblable : un western spaghetti de l’espace complètement déjanté dont il ne produit que des vignettes de bandes-annonces aux scénarios hyper alambiqués. Le titre de ce projet à rallonge, dont la mythologie sous acide ne cesse de croître à chaque livraison : “Legends of the Golden Child”.<figure class="image"><img src="/uploads/Tim_Malloy_9_96b23208f1.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Tim_Malloy_2_ac66c247ed.jpg"><figcaption>Illustration en techniques traditionelles</figcaption></figure>Tim Molloy : « En réalité, je suis un artiste traditionnel, avant tout un dessinateur et un aquarelliste, même si je suis également versé dans le domaine numérique évidemment. Je fais des bandes dessinées depuis que je suis gosse. Je travaille non-stop, que ce soit l’écriture, le dessin ou juste la réflexion… Et maintenant, je génère des images bizarroïdes avec l’intelligence artificielle. En fait, si on y regarde bien, l’intelligence artificielle est un formidable outil pour produire du surréalisme. Je m’efforce d’entretenir une sorte de dialogue avec l’IA en mode random. Et je laisse ce hasard guider mon écriture. C’est très excitant !&nbsp;Je conçois ce travail comme une nouvelle pièce dans un puzzle que j’ai commencé à mettre en place il y a plusieurs décennies. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_4_5900b2a936.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Capture_d_ecran_2023_01_30_a_14_21_34_c60177bbf1.jpg"><figcaption>Hasturon’s Dilemma</figcaption></figure>Au départ, il y a quelques mois, Tim Molloy a été attiré par le logiciel Midjourney, une manière pour lui de continuer un travail qu’il avait déjà entamé avec “Hasturon’s Dilemma”, une autre série télé imaginaire de son invention. Tim : « C’était une sorte de soap opera super bizarre avec des éléments de science-fiction, comme des aliens biomécaniques tout gluants. Mais là, il y a la V4 du logiciel Midjourney qui est arrivée et le saut qualitatif est énorme. J’avais déjà l’idée de “Legends of the Golden Child” en tête depuis des années et je me suis mis à travailler là-dessus directement. »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_17_7aac9c5322.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure>Quand on lui demande d’où provient son imaginaire très riche, Tim Molloy assure que l’idée du Golden Child lui est venue d’un écrit apocryphe de la Bible : L’Évangile de l’Enfance par Saint-Thomas, qui narre les jeunes années de Jésus entre 5 et 12 ans, alors qu’il apprend à maîtriser ses pouvoirs surnaturels en commettant des erreurs de débutant… Ensuite, il a imaginé une série télé comme étant la préférée de son personnage de BD fétiche : M. Unpronounceable (soit Mr Imprononçable). Grace à l’IA, il a enfin donné corps à ce show télé imaginaire : “Legends of the Golden Child”, et il a parachuté des aliens gluants dans un décor de western aux couleurs martiennes.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_14_c5016765fe.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Tim_Malloy_5_00bddae40a.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure>Concernant le processus créatif, c’est assez simple :&nbsp;« Avec l’IA, j’élabore une pensée étrange qui me passe en tête, je la tape dans la machine et je la laisse me guider pour la commande suivante. C’est comme de jouer au tennis avec soi-même dans un état hypnagogique (entre le sommeil et la conscience). »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_6_f61afa09ff.jpg"></figure>Côté collaborations, Molloy a réalisé un grand nombre de pochettes d’albums et de posters pour des groupes de musique et des couvertures de livres, il a également collaboré avec d’autres auteurs de BD.<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_12_1b21c2c03e.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure><figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_11_0491068e0a.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure>Actuellement TIm Molloy produit plusieurs illustrations pour des albums et des livres. Il met la dernière touche (l’encrage) à un roman graphique pour&nbsp;<a href="https://toddlerpillars.com/">les éditions</a> ToddlerPillars. Il prépare une exposition solo et aura bientôt terminé une série de goodies&nbsp;: T-shirts, posters et rééditions de BD... Et bien sûr, heureusement, il travaille d’arrache-pied sur le prochain épisode de Golden Child !<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_15_98ef31b922.jpg"><figcaption>Legends of the Golden Child</figcaption></figure>La grande influence que Tim Molloy aime citer, c’est Mervyn Peake, le peintre considéré comme le père de la science-fiction britannique, né en 1911 et mort dans la maladie mentale en 1968. On le compare souvent à Tolkien&nbsp;: « Je relis ses œuvres avec mon fils de neuf ans en ce moment et c’est formidablement rafraîchissant ! »<figure class="image image_resized" style="width:75%;"><img src="/uploads/Tim_Malloy_3_41d934638f.jpg"></figure>

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western psychédélique du rétro-futur

Lorn

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sagans

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Die Antwoord

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Pas très aisé d’avoir des informations sur l’entité Sagans, cependant on peut vous révéler, après une longue et minutieuse enquête, que c’est un collectif&nbsp;rassemblant des musiciens, des graphistes et des chercheurs en intelligence artificielle. Ce groupe, dont le nombre nous est inconnu, a été formé en 2022 à Londres et compte des membres dans le monde entier (et même au-delà, d’après certaines sources non vérifiées). Ils disent&nbsp;: «&nbsp;Le collectif en IA se consacre à la création de nouvelles façons innovantes de créer de la musique et des visuels, et croit fermement que l'intelligence artificielle est la clé pour débloquer de nouvelles possibilités créatives, quelque chose qui soit vraiment une expression unique.&nbsp;» Voilà qui est parfaitement clair. Nous allons parcourir les résultats de leur récente réunion de compétences en trois clips&nbsp;: le dernier paru il y a un mois “Entropyyy” pour Lorn (ci-dessus), nous remonterons le temps en passant par “Age of illusions” pour Die Antwoord et nous terminerons par “Cohérence” paru en juin 2022, résultat de leur première collaboration, pour laquelle ils ont conçu l’image mais aussi la musique.<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_2_e01d4ae41a.jpg"></figure><div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/Cq56o0YH3mE" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div>&nbsp;Avec “Age Of Illusion”, nos bien aimés sud-africains de Die Antwoord&nbsp;sortent de leur habituelle électro âpre et frénétique pour un titre au rythme plus lent et aux voix atmosphériques, presque ambient. À l’image aussi, la rupture est visible, nous n’aurons pas ce coup-ci la joie de retrouver ce couple au physique aussi étrange qu’avenant, souvent acteurs de leurs clips barrés, mais le plaisir de vibrer dans la succession papillonnante d’images d’animés japonais de toutes sortes. Il y a un beau contraste entre la ritournelle planante et rassurante susurrée par la chanteuse Yolandi Visser et les images de personnages animés qui se déforment dans une sorte de souffrance.&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_6_5077c7654f.jpg"></figure>Le collectif d’artistes-ingénieurs-chercheurs Sagans a alimenté l’IA avec de nombreuses références d’images et a fourni les directives de base pour une rencontre inattendue entre deux univers pourtant éloignés : Die Antwoord et les animés. “Age Of Illusion” est une collision pour un moment trippant dans un non-sens absolu, à la fois absurde et beau. Les deux principaux membres de Die Antwoord Ninja (Watkin Tudor Jones) et Yolandi Visser&nbsp;ne sont pas complètement absents à l’image et&nbsp;apparaissent quand même comme des silhouettes fugitives en version manga. Les spectateurs très attentifs, et fins connaisseurs de Die Antwoord pourront les repérer dans des films d'animation d’horizons très différents, du passé au présent. l’IA générative d’image ou de vidéo fascine par sa capacité à nous sortir des cadres esthétiques préconçus et si l'on considère que nous vivons également à l'ère des fake news&nbsp;et du deep fake, nous sommes vraiment à l'ère de l'illusion&nbsp;!&nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_8_749a614450.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_7_5cc85149c4.jpg"></figure>Le premier clip que nous avions découvert était “Coherence” , une sorte de court-métrage musical qui matérialisait en quelque sorte la formation de Sagans en juin 2022&nbsp;: pour l’occasion le collectif a généré l’image mais aussi la musique, avec la complicité active et créative d’une intelligence artificielle devenue alliée. Dans cette visite urbaine de fin du monde, on change souvent de «&nbsp;guide&nbsp;» à la présence amicale mais instable (et plutôt féminine) dans ce qui pourrait ressembler à une vision instable et imbriquée du quartier tokyoïte de Shibuya. Il faudra pour cela se laisser aller à flotter dans ce mini trip hypnotique en forme de manga animé expérimental à l’image en ébullition permanente tout à fait propre à l’IA.&nbsp;<div class="raw-html-embed"><iframe src="https://www.youtube.com/embed/kASqM5HTvfY" title="YouTube video player" allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" width="560" height="315" frameborder="0"></iframe></div><figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_14_7fe1f0d0b8.jpg"></figure>Selon Sagans&nbsp;: «&nbsp;Notre première vidéo s'appelle “Coherence” et porte sur une ville qui mute et évolue constamment. La vidéo montre comment la ville change au fil du temps, et comment le personnage se perd et s'adapte à ces changements. La vidéo est un mélange de différents styles utilisant les derniers algorithmes d'IA, des diffusions latentes mais aussi un algorithme de transfert de type neuronal, similaire à l'algorithme utilisé pour créer les images DeepDream. Une approche intéressante du genre cyberpunk.&nbsp;» &nbsp;<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_15_bf01a786ce.jpg"></figure><figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_16_84cfba6697.jpg"></figure>À propos de la production de la musique plus particulièrement, le musicien de la team Sagans explique&nbsp;: «&nbsp;L'IA est un moyen de repousser les limites artistiques. J'étais très fatigué d'utiliser toujours les mêmes plugins musicaux, des échantillons très similaires, et l'IA m'a semblé être un moyen d'aller là où aucun artiste humain ne peut aller. Je suppose que mon processus de composition musicale ne sera pas très technique ni scientifique par rapport aux autres équipes, car pour moi l'IA n'est qu'un outil pour donner des idées originales aux artistes humains et ce morceau n'aurait jamais été le même sans l'apport de l'IA.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_10_3ddba48b1a.jpg"></figure>Sagans&nbsp;: «&nbsp;On voulait un morceau avec un peu de nostalgie, un peu de tristesse, un peu d'espoir parfois - on savait que l'IA du Jukebox pourrait être un grand allié pour créer l'atmosphère qu'on avait en tête mais aussi que beaucoup de production humaine serait nécessaire. On voulait quelque chose qui sonne puissant, élaboré, et qui puisse donner beaucoup d'émotions, que l'émotion soit créée par la machine, l'artiste humain, ou la synergie des deux. Notre vision ne concernait pas seulement la musique, mais aussi l'aspect visuel. On avait un objectif spécifique en tête : lorsque quelqu'un regarde le clip, il doit ressentir une émotion humaine mais aussi se sentir dépassé et sur-stimulé - ce qui remet en question la place de l'artiste humain par rapport à la machine. La composition musicale doit être au service de cet objectif final spécifique.&nbsp;»<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_11_d28d983273.jpg"></figure>Sagans&nbsp;: «&nbsp;Cette sortie est extrêmement importante car c'est le début d'une nouvelle ère technologique pour l'industrie musicale. Alors que de nombreux artistes et producteurs poussent leurs plugins musicaux jusqu'aux limites physiques, nous voulons pousser l'apprentissage automatique jusqu'à quelque chose d'illimité, en utilisant la machine pour aller plus loin, pour penser différemment. La collaboration entre l'homme et la machine est l'avenir et nous sommes fiers de lancer quelque chose de révolutionnaire avec ce premier titre. »<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_4_26_23_c78e3d5a68.jpg"></figure>Dites donc, on ne pourra pas leur enlever que c’est des ambitieux convaincus, les “révolutionnaires“ Sagans. Ils y croient dur comme fer… Même si pour le moment, dans l’image on reconnait du premier coup d’œil la présence de cette alliée artificielle, dans le son c’est bien plus difficile de le deviner.&nbsp; Mais quand même, ça promet, on en est qu’au tout début… En tous les cas, les Sagans, on va les tenir à l’œil, promis.<figure class="image"><img src="/uploads/Sagans_19_7647d19e33.jpg"></figure>

l'age de l'illusion

Brainto est le média qui trie, décrypte et analyse toutes les créativités Un bento de pépites visuelles pour cerveaux curieux

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